D'un bon pas mais avec une relative discrétion, Luca Guglielmi poursuit, en parallèle d'enregistrements remarqués consacrés notamment à Johann Sebastian Bach, son exploration de l'univers de la musique pour clavier préclassique. Après Galuppi et Hasse (respectivement en 2010 et 2013 pour Accent), il revient à Giovanni Benedetto Platti, dont il avait déjà enregistré une très convaincante anthologie de sonates tardives parue en 2011 (Accent), en s'attardant cette fois-ci sur la partie concertante de sa production.

De ce compositeur très probablement né en 1697 à Padoue mais ayant fait l'essentiel de sa carrière, comme un certain nombre de ses contemporains, en terres germaniques (songez, par exemple, à Brescianello, natif de Bologne mais actif à Stuttgart), puisqu'il servit à la cour de Würzburg de 1722 à sa mort, le 11 janvier 1763, on conserve neuf concertos pour clavier et cordes, dont trois sont interprétés ici de façon judicieuse sur une copie d'un gravicembalo col piano e forte construit à Florence par Bartolomeo Cristofori en 1726 et un quatuor à cordes, un effectif qui permet de respecter les équilibres sonores et notamment à ce pianoforte des origines d'exploiter au maximum, sans jamais avoir à forcer le trait, la riche palette de dynamiques dont la recherche a justement présidé à son invention.

Le programme du disque a été intelligemment pensé de façon à démontrer que Platti occupe une place éminente parmi ces musiciens que l'on désigne, faute de mieux, comme « de transition. » Sa manière évolue des arabesques du baroque finissant aux premières lueurs du classicisme, éventuellement traversées par quelques éclairs préromantiques ; les œuvres les plus tardives proposées dans cette anthologie datent probablement de la décennie 1740, période durant laquelle commence à s'élaborer, plus au nord, la grammaire du style sensible (Empfindsamkeit) dont passe parfois le frisson dans le Largo des Concertos en sol majeur et en la majeur et surtout dans la superbe Sonate en ut mineur (1746), avec son premier mouvement qui annonce d'emblée la couleur par son titre de Fantasia avant d'enchaîner humeurs changeantes et éclats virtuoses. Tous deux en ut mineur, le Concerto I 49 (I pour Alberto Iesué, auteur d'un catalogue des œuvres de Platti) et la Sonate pour hautbois et basse continue, cette dernière de forme vaguement corellienne, relèvent plutôt de l'esthétique galante, ce qui n'est pas obligatoirement synonyme de superficialité, le compositeur s'y entendant pour valoriser les ressources expressives des instruments solistes dans les mouvements lents — c'est particulièrement frappant avec le hautbois dont la mélancolie chantante est particulièrement bien mise en valeur. La volonté de rationaliser les émotions, de tendre vers un équilibre lumineux tout classique trouve peut-être sa plus parfaite illustration dans le Concerto en la majeur qui joue sans barguigner la carte d'une simplicité pleine de fraîcheur diablement séduisante, là où celui en sol majeur tourne parfois un peu en rond, en particulier dans son Allegro assai final. La netteté de ses idées et la naturalité de leur enchaînement, le trouble qui affleure dans un Largo central, son finale radieux comme une belle journée d'été, tout concourt à rendre attachante cette œuvre dont l'art se cache habilement sous un caractère sans façons de musique composée pour être jouée entre soi.

Dirigeant le bien nommé Concerto Madrigalesco du clavier, Luca Guglielmi s'y entend pour donner leur juste densité à ces compositions. La légèreté de l'effectif autorise vivacité et transparence, ainsi qu'une grande interaction entre les pupitres, autant de cartes jouées ici avec enthousiasme et détermination, mais toujours avec un grand sens de la ligne et de la nuance. En effet, si la complicité est ici audiblement de mise, elle ne s'accompagne, pour autant, d'aucun laisser-aller ; tout est, dans cette lecture, parfaitement tenu et sait où il va. On y retrouve également ce qui est une des marques de fabrique de Luca Guglielmi, à savoir son sens inné du chant qui fait évidemment merveille dans la Sonate en ut mineur comme dans les mouvements lents des concertos, mais aide aussi à apporter de la substance quand l'inspiration de Platti se fait plus ténue — on n'ose parfois imaginer quel serait le résultat avec des serviteurs moins aiguisés que ceux réunis sur cet enregistrement. Le seul bémol viendra paradoxalement de la prestation du pourtant aguerri Paolo Grazzi, il est vraie desservie par une prise de son trop réverbérée, dont l'engagement dans la Sonate pour hautbois, très appréciable, m'a hélas quelquefois semblé avoir pour contrepartie quelques traits mal assurés voire un peu épais.

Cependant, ce disque, s'il ne constitue pas une révélation fracassante, n'en demeure pas moins recommandable à qui souhaiterait compléter ses connaissances sur le concerto pour clavier du XVIII^e siècle au moment où celui-ci amorce sa bascule vers une expression plus personnelle, tout comme au mélomane qui entendrait passer un moment d'agrément en exquise compagnie.

Giovanni Benedetto Platti (1697-1763), Concertos pour clavier et cordes en ut mineur I 49, en sol majeur I 55 et en la majeur I 57, Sonate pour hautbois et basse continue en ut mineur I 100*, Sonate pour clavier en ut mineur op.IV n°2, I 109

Concerto Madrigalesco
*Paolo Grazzi, hautbois
Luca Guglielmi, pianoforte & direction

1 CD [durée totale : 71'47"] Arcana A 375. Ce disque peut être acheté sous forme physique en suivant ce lien ou au format numérique sur Qobuz.com.

Extraits proposés :

1. Sonate en ut mineur op.IV n°2 : [I] Fantasia. Allegro

2. Concerto en ut mineur : [I] Andantino

3. Concerto en la majeur : [III] Allegro

Un extrait de chaque plage de ce disque peut être écouté ci-dessous grâce à Qobuz.com :

Illustrations complémentaires :

Giovanni Benedetto Platti (1697-1763), Concerto pour hautbois et basse continue en ut mineur, manuscrit Mus.2787-S-2, fol 1r, Dresde, Sächsische Landesbibliothek – Staats- und Universitätsbibliothek

La photographie de Luca Guglielmi est de Marco Borggreve.

L'église d'Arques-la-Bataille © Robin .H. Davies

S'il ne bénéfice pas de la même exposition médiatique que les très courus festivals de la Chaise-Dieu ou d'Ambronay, celui de l'Académie Bach d'Arques-la-Bataille a su, au fil du temps, fédérer un public fidèle d'amateurs de musique ancienne autour d'une programmation exigeante qui oublie heureusement de se laisser envahir par les tics et les paillettes de la mode — celle de cette année n'annonce d'ailleurs toujours pas de récital de contre-ténor estampillé Vivhändel pour attirer le chaland.

Pour sa dix-septième édition, qui se déroulera du 20 au 23 août 2014, le festival confirme une inflexion amorcée en 2012 avec Haydn, Boccherini et Schubert et poursuivie en 2013 avec Brahms et Schumann, qui consiste, de façon parfaitement pertinente, à considérer le vocable de musique ancienne sous un angle élargi et, par conséquent, à ne plus se limiter au répertoire des XVII^e et XVIII^e siècles. Les musiciens de L'Armée des Romantiques, réunis autour de l'excellent pianiste Rémy Cardinale qui, pour l'occasion, jouera sur un Érard historique, mettront donc à l'honneur la musique française, ce qui est déjà en soi une excellente nouvelle, en proposant deux soirées dédiées respectivement à César Franck (Quintette, Sonate pour violon et piano, pièces pour piano et pour harmonium, 21 août) et à Maurice Ravel, dont, aux côtés de Gaspard de la Nuit, seront données deux œuvres entrant en résonance avec les commémorations du centenaire de la Grande guerre, les Trois chansons pour chœur et le Trio en la mineur (22 août).

Que les amoureux du baroque se rassurent, ils n'ont pas été oubliés, et c'est même à l'emblématique L'Autre Monde ou Les Estats & Empires de la Lune de Cyrano de Bergerac, réunissant les brillants Benjamin Perrot et La Rêveuse, que reviendra l'honneur d'ouvrir le bal le 20 août, suivi, en fin de soirée, par la première partie des virtuoses Sonates du Rosaire de Biber sous l'archet fougueux d'Hélène Schmitt, recueil dont la seconde moitié refermera le festival dans la nuit du 23 août. Entre temps, l'Ensemble Mare Nostrum aura couru les chemins de la Nouvelle Espagne (21 août) et les Lunaisiens dévoilé les visages toujours changeants de l'air, de cour ou à boire (22 août). Bach ne sera pas non plus absent de l'Académie dont il est la figure tutélaire et Vox Luminis, dont le travail a été régulièrement fêté sur ce blog, fera revivre deux de ses cantates, mais aussi celles de ses glorieux aînés, Pachelbel et Buxtehude (23 août).

Enfin, trois concerts gratuits seront proposés à 11 heures, un triptyque autour du motet qui verront les Lunaisiens puis l'Ensemble vocal Bergamasque, rejoints par Benjamin Alard et Marc Meisel à l'orgue, aborder par deux fois, les 21 et 23 août en l'église d'Arques-la-Bataille, en terres germaniques, respectivement baroques (Bach) et romantiques (Mendelssohn, Brahms, Bruckner, Wolf), Saint-Rémy de Dieppe accueillant pour sa part, le 22 août, un parcours français faisant la part belle à Charpentier.

Ce programme dense qui, malgré sa diversité, gage d'une heureuse alternance entre inspirations sérieuses et plus légères, se révèle très unitaire, s'annonce d'ores et déjà passionnant et riche de ponts jetés d'œuvre à œuvre et d'époque à époque. Si je n'en suis empêché par aucun impondérable, l'amateur tant de musique baroque que française que je suis prendra donc, à la fin des vacances, le chemin de la Normandie, et si j'espère que cette courte présentation aura donné l'envie à ceux qui le peuvent de tenter l'aventure d'un festival qui mérite notre intérêt et notre soutien, je compte fermement en rapporter quelques crayonnés à partager avec tous à mon retour.

Académie Bach d'Arques-la-Bataille, 17^e édition du festival, du 20 au 23 août 2014. Renseignements détaillés et locations en suivant ce lien.

Un avant-goût en musiques :

1. Savinien Cyrano de Bergerac (1619-1655), L'Autre Monde ou Les Estats & Empires de la Lune (extrait), et François Dufaut (av.1604-av.1672), Prélude

Benjamin Lazar, déclamation
Benjamin Perrot, luth, théorbe & guitare baroque
Florence Bolton, dessus & basse de viole

L'Autre Monde ou Les Estats & Empires de la Lune, 1 double disque Alpha 078 qui peut être acheté en suivant ce lien.

2. Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704), Sonates du Rosaire :
XI. La Résurrection

Les Veilleurs de Nuit
Marianne Muller, viole de gambe
Pascal Monteilhet, théorbe
Élisabeth Geiger, clavorganum
Alice Piérot, violon & direction

Les Sonates du Rosaire. 1 double disque Alpha 038 qui peut être acheté en suivant ce lien.

3. Maurice Ravel (1875-1937), Trio pour piano en la mineur :
[IV] Final : Animé

The Florestan Trio

Debussy, Ravel & Fauré, Trios avec piano. 1 CD Hyperion CDA67114 qui peut être acheté en suivant ce lien.

La destinée d'Alessandro Stradella, mort à Gênes d'un coup de poignard le 25 févier 1682, un peu plus d'un mois avant de fêter ses 43 ans, si elle a inspiré à Philippe Beaussant un très beau roman dont je vous conseille la lecture, a malheureusement quelque peu occulté sa production musicale qui, malgré quelques disques remarquables – on songe, par exemple, au San Giovanni Battista dirigé avec brio par Marc Minkowski en 1992 (Erato) ou à la très belle anthologie de motets signée par Gérard Lesne et Sandrine Piau en 1995 (Virgin) –, demeure toujours assez largement sous explorée. Enrico Gatti, qui avait déjà démontré ses affinités avec ce compositeur en enregistrant deux de ses cantates pour Noël (Arcana, 1998), revenait vers lui en 2004 en gravant un de ses oratorios, La Susanna, pour Glossa, qui nous le rend aujourd'hui dans sa collection Cabinet.

Francesco II d'Este, duc de Modène, avait un penchant affirmé pour ce genre sacré. Disposant d'un livret écrit par son secrétaire, Giovanni Battista Giardini, sur l'histoire biblique de Suzanne et les vieillards et, ayant eu connaissance des talents de Stradella, il lui demanda de le mettre en musique. La Susanna connut sa première exécution le 16 avril 1681. En deux parties, l’œuvre narre les déboires de la vertueuse et jolie épouse de Joachim, faussement accusée d'adultère par deux vieillards (ici, les juges) concupiscents, jetée en prison et sauvée d'une probable lapidation grâce à l'intervention divine qu'elle avait implorée et qui, personnifiée par le prophète Daniel, confond les menteurs, finalement condamnés à mort. Outre ces quatre personnages, deux intervenants jouent un rôle important dans le déroulement de l'histoire, le narrateur (Testo) dont le rôle est mi-chanté, mi-récité, et le chœur, qui apporte un commentaire moral à l'action.

Cet oratorio a été composé alors que Stradella était en pleine possession de ses moyens artistiques, aussi bien du point de vue du traitement de la voix que de celui des instruments. Cette maîtrise explique sans doute la grande unité de La Susanna, son équilibre et le soin apporté à l'expression des sentiments des protagonistes comme à la progression dramatique, autant de qualités que le compositeur avait eu l'occasion de forger lors de ses différentes expériences opératiques. Si l’œuvre ne se départ jamais de sa dimension religieuse, on songe cependant bien souvent à la scène en l'écoutant, qu’il s'agisse de la description du bain de Suzanne et de l'agression des deux vieillards, des imprécations jetées par Daniel à la foule (« Così va, turbe insane »), ou de la lamentation de la jeune femme emprisonnée, exprimée dans une poignante aria, « Da chi spero aita, o Cieli », dont l'ostinato dit magnifiquement la douleur et les doutes qui rongent ainsi que l'absence apparente d'issue à la situation. L'écriture instrumentale participe, elle aussi, à la dramatisation du discours tout en lui apportant beaucoup de sensualité et de dynamisme ; elle montre le degré de raffinement atteint alors par un Stradella aussi au fait des finesses du contrepoint que de celles de la rhétorique nécessaire à l'expression des passions.

Réuni autour de l'archet d'Enrico Gatti, l'ensemble Aurora offre une très belle lecture de La Susanna. La palme revient indubitablement aux instrumentistes dont la prestation se révèle non seulement d'une grande précision, mais aussi pleine de fluidité et de couleurs, et parfaitement idiomatique dans un répertoire dont les musiciens et leur chef possèdent une connaissance intime. Dès la Sinfonia d'ouverture, il est évident que l'ensemble va s'imposer comme un des personnages de l'histoire et il le fait avec autant de science que d'engagement. Le plateau vocal est malheureusement moins homogène. Emanuela Galli rend très bien justice à la dimension sensible de Suzanne qu'elle campe de façon émouvante, Luca Dordolo et Matteo Bellotto expriment de façon également convaincante aussi bien le désir que le mensonge et la dureté qui animent les Juges. J'ai été moins séduit par Barbara Zanichelli, bien chantante mais un peu pâle dans le rôle surnaturel du prophète Daniel, et surtout par Roberto Balconi, Testo certes soucieux de faire vivre sa partie, mais quelquefois handicapé par des limites qui rendent sa ligne vocale mal assurée et assez tendue.

Malgré ces réserves, cet enregistrement de La Susanna a, à la réécoute, plutôt bien vieilli et demeure actuellement celui à conseiller en priorité à qui souhaiterait connaître cet oratorio qui mérite amplement de l'être. Sa réédition à prix modique constitue une invitation supplémentaire à ne pas se priver de ses beautés.

Alessandro Stradella (1639-1682), La Susanna

Emanuela Galli, soprano (Susanna), Barbara Zanichelli, soprano (Daniele), Roberto Balconi, contre-ténor (Testo), Luca Dordolo, ténor (Second juge), Matteo Bellotto, basse (Premier juge)
Ensemble Aurora
Enrico Gatti, maestro di concerto

2 CD [durée totale : 52'09" & 47'34"] Glossa Cabinet GCD C81201. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

Extraits proposés :

1. Sinfonia avanti l'oratorio

2. Aria con violini : « Ancor io d'Amor fui colto » (Second juge)

3. Aria con violini : « Da chi spero aita, o Cieli » (Susanna)

Presque tous les labels qui peuvent se prévaloir d'une histoire un peu longue ont aujourd'hui développé une collection économique qui leur permet de donner un second souffle à certains de leurs enregistrements anciens, cette notion d'ancienneté étant assez relative dans un marché du disque où tout se périme très vite et où il n'est pas rare qu'une réalisation soit indisponible chez l'éditeur deux ans à peine après sa parution. Si certains se contentent de remboîtages sommaires, à la présentation parfois aussi négligée que peu esthétique, le label Glossa a choisi, au contraire, de miser sur de beaux objets, contenant un vrai livret et dotés d'une identité visuelle forte, tout ceci pour environ dix euros. Nommée Cabinet, en référence aux cabinets de curiosité, cette collection qui, outre son fonds propre, va également puiser dans quelques autres – Accent, Symphonia – est aujourd'hui forte d'une petite cinquantaine de titres couramment disponibles, sans compter ceux qu'il est toujours possible de trouver d'occasion. Je vous propose de découvrir aujourd'hui et dans les semaines à venir les six titres qui composent la livraison d'avril 2014.

Frans Brüggen fêtera, le 30 octobre prochain, ses quatre-vingts ans. Il fait partie de ces musiciens pionniers qui ont contribué à ce que l'on a appelé, avec un rien d’emphase, la « révolution baroque » laquelle a habitué, non sans rencontrer de solides résistances, une partie des mélomanes à aborder la musique sous un angle plus conforme à la vraisemblance historique. Flûtiste renommé, il a bifurqué vers la direction au tout début des années 1980, en fondant, en 1981, l'Orchestre du XVIII^e siècle, à la tête duquel il a dirigé un vaste répertoire allant de Rameau à Mendelssohn, en passant par la triade classique, Haydn, Mozart et Beethoven. Brüggen a réalisé pour Philips, au tournant des décennies 1980 et 1990, une intégrale des symphonies de ce dernier qui a fait date et constitué un étalon pour toutes celles qui l'avaient précédée et l'ont suivie. En 2011, le chef et son orchestre remettaient l'ouvrage sur le métier, livrant, cette fois-ci pour Glossa, une lecture que l'on peut regarder comme testamentaire.

Du coffret paru à l'automne 2012, le label a extrait ce qui en constitue indiscutablement, à mon sens, le sommet, les Symphonies n°5 et n°6. Je ne m'attarde volontairement pas sur l'histoire de ces deux œuvres bien connues et maintes fois enregistrées. Toutes deux, bien qu'elles aient été composées concomitamment entre 1805 et 1808 et créées lors du même concert au théâtre An der Wien, le 22 décembre 1808, apparaissent assez nettement antinomiques. La Cinquième, à l'ut mineur débordant de tensions et de tempêtes, célébrissime pour ses accords initiaux où certains commentateurs ont voulu voir le Destin qui frappe à la porte, dont la course s'achève en apothéose héroïque, n'a en effet, si l'on excepte la largeur du geste, pas grand chose à voir avec la descriptive Pastorale, fresque qui malmène le schéma classique du genre, lançant une dynamique qui s'achèvera avec son implosion dans la 9^eSymphonie, avec ses cinq tableaux en demi-teintes bruissants de ce sentiment de la nature, tour à tour accueillante ou menaçante, mais toujours grandiose, cher aux Romantiques.

Dans ces deux œuvres, Frans Brüggen parvient, avec un naturel assez désarmant, à trouver le ton juste pour donner à chacune des deux symphonies la densité et le caractère qui lui convient. La Cinquième possède le souffle et l'aspiration à la grandeur que l'on en attend, mais sans jamais verser dans la précipitation ou le tapage. Contrairement à certaines autres lectures historiquement informées, parfois très cotées, celle-ci ne tombe pas dans le piège d'une approche trop séquentielle ou fractionnée : tout s'y enchaîne de façon fluide et évidente, comme l'illustre avec éclat, entre autres exemples, la transition entre les mouvements III et IV, sur laquelle même John Eliot Gardiner, auquel on doit une des versions de référence du cycle (Archiv, 1994), avait trébuché. On est clairement ici dans le monde de la pensée et non dans celui de l'effet et l’œuvre y gagne une cohérence qui ne peut que laisser admiratif. La Sixième tutoie les mêmes cimes et constitue, à mon avis, la version la plus poétique et la plus frémissante de cette symphonie jamais gravée, à ce jour, sur instruments anciens. Outre, en effet, une parfaite conduite individuelle de chaque scène et une attention méticuleuse portée au moindre détail qui ne s'opèrent jamais au détriment de la vision d'ensemble, l'Orchestre du XVIII^e siècle se montre à la hauteur de sa réputation d'excellence en matière de couleurs (le premier mouvement est simplement renversant) et suscite sous nos yeux de merveilleux paysages, baignés dans cette lumière chaude et cette transparence de l'air que l'on retrouve dans certains des tableaux que peignait au même moment Caspar David Friedrich, comme le Paysage bohémien avec le mont Milleschauer (1808), aujourd'hui à Dresde — la nature non réduite à une vision topographique, mais envisagée de l'intérieur, au travers des émotions qu'elle suscite chez le promeneur qui en fait l'expérience.

Voici donc une réédition majeure dont je ne peux que vous conseiller de faire l'acquisition tant elle contribuera à élargir les horizons de votre perception de la musique de Beethoven.

Ludwig van Beethoven (1770-1827), Symphonie n°5 en ut mineur op.67, Symphonie n°6 en fa majeur « Pastorale » op.68

Orchestra of the Eighteenth Century
Frans Brüggen, direction

1 CD [durée totale : 75'19"] Glossa Cabinet GCD C81118. Incontournable de Passée des arts. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

Extraits proposés :

1. Symphonie n°5 : [I] Allegro con brio

2. Symphonie n°6 : [V] Allegretto : Hirtensang, frohe und dankbare Gefühle nach dem Sturm

Mais qui est donc Gottfried August Homilius, exact contemporain de Carl Philipp Emanuel Bach qui ne lui survécut que trois ans ? Ce fils de pasteur, né à Rosenthal, en Saxe, le 2 février 1714, entra à l'école Sainte-Anne (Annenschule) de Dresde, dont son oncle était recteur, vers 1722, année de la mort de son père. Outre la musique, qu'il y étudia sous la férule de J.G. Stübner, organiste de l'église Sainte-Anne qu'il était déjà en mesure de remplacer à l'âge de 20 ans, il y reçut une formation académique suffisamment solide pour lui permettre, en 1735, de s'inscrire à la très renommée faculté de Leipzig pour y faire son droit. Vous avez, bien entendu, suivi ma pensée, et, en lisant « 1735, Leipzig », le premier nom qui vous est venu à l'esprit est celui de Johann Sebastian Bach. Effectivement, Homilius fut son élève, mais aussi celui de l'organiste de l'église Saint-Nicolas, Johann Schneider ; comme Telemann trente ans plus tôt, celui qui était arrivé étudiant en droit acheva, six ans plus tard, son cycle universitaire en musicien accompli. Ses premiers pas dans la carrière qu'il avait décidé d'embrasser furent difficiles, puisque sa candidature à la tribune de l'église Saint-Pierre de Bautzen, en 1741, se solda par un échec. L'année suivante lui fut plus favorable, puisque lui échut le poste d'organiste de la Frauenkirche de Dresde. Il se fixa alors définitivement sur les bords de l'Elbe, même s'il tenta de s'échapper à Zittau en 1753, et fut nommé, en 1755, Cantor de la Kreuzkirche, la plus importante église protestante de la ville, un emploi qu'il devait conserver jusqu'à sa mort, le 2 juin 1785, malgré les vicissitudes liées à la guerre de Sept Ans qui causèrent, en 1760, la destruction de la Kreuzkirche, obligeant au repli vers la Frauenkirche, et une attaque qui, en 1784, l'empêcha définitivement d'assurer sa tâche.