Il Festino, 4 août 2013
Photographie de Nicolas Boyer

Le Festival de Musique de Richelieu est un festival de fidélités, ce qui explique sans doute en grande partie pourquoi on y revient chaque année avec un plaisir sans mélange. Je vois d'ici certains sourcils se soulever dédaigneusement en se disant que l'on va tenter de leur « vendre » une manifestation encore relativement méconnue se déroulant dans une partie de province un peu écartée et malaisément accessible — sur ce point, il est exact qu'un petit effort des pouvoirs publics serait le bienvenu. « Venez et voyez » (et surtout écoutez) ai-je envie de répondre à tous ces froncés, venez flâner sous les arbres du parc et goûter à une programmation éclectique et soignée qui, à côté de vedettes confirmées régulièrement invitées comme François-René Duchâble ou Jordi Savall, sait aussi donner sa chance à des talents prometteurs.

Il Festino, que l'on avait entendu en 2011 chanter les délices du vin et de l'amour dans un Dôme transformé un instant en taverne XVII^e, n'est plus à proprement parler l'ensemble encore en devenir qu'il était alors. Un premier disque très réussi et salué comme tel, des concerts accueillis avec enthousiasme par le public ont fait connaître son nom et l'ont imposé parmi ceux que distingue la qualité de leur travail sur le répertoire baroque. C'est d'ailleurs une grande partie du programme de leur premier enregistrement que les musiciens réunis autour de Manuel de Grange, les dirigeant du luth, du théorbe ou de la guitare, ont repris lors du concert qu'ils ont donné ce 4 août 2013 dans la superbe chapelle de Champigny-sur-Veude à un (fort) jet de pierre de la cité du Cardinal. Disons-le tout net, le seul bémol de cette prestation aura été le lieu où elle se déroulait, car s'il constitue en soi un écrin de rêve, son acoustique réverbérée n'est pas adaptée à un répertoire pensé pour des salons, si hauts de plafond soient-ils par ailleurs, et l'on espère vivement que les organisateurs du festival auront à cœur de proposer, à une échéance pas trop lointaine, des œuvres entrant plus naturellement en résonance avec cet édifice. Ceci posé, Il Festino a été à la hauteur de sa réputation et a offert un concert de toute beauté qui a permis de mesurer le chemin qu'il a parcouru en l'espace de deux ans. L'ensemble, dont le niveau de départ était déjà très bon, a progressé sur tous les plans, il a gagné en grain, en puissance, en liberté, en sensualité sans rien perdre de la finesse et du sérieux qui caractérisent ses interprétations. Les deux chanteurs se sont libérés et osent aujourd'hui une expressivité qui fait paraître les pièces gravées au disque presque timides ; la voix de Dagmar Saskova, déjà parée de bien des séductions, s'est épanouie et allie aujourd'hui idéalement puissance, couleurs et nuances, autant de qualités qui lui permettront, je l'espère, d'accéder à la reconnaissance qu'elle mérite, tandis que celle de Francisco Javier Mañalich, qui tient par ailleurs avec beaucoup d'engagement un des deux pupitres de viole de gambe, s'est affermie et a conquis la rondeur qui lui faisait jusqu'ici un peu défaut. Outre leur maîtrise technique, ce qui est apparu le plus évident chez les deux solistes est leur bonheur d'interpréter ces airs et leur volonté d'en faire vivre chaque inflexion, intention totalement partagée par le gambiste Ronald Martin Alonso, aux phrasés pleins d'élégance et à la sonorité chaleureuse, et, bien sûr, par Manuel de Grange, capable de tisser des atmosphères rêveuses au théorbe ou au luth mais aussi d'enflammer les débats dès qu'il se saisit de sa guitare, sans jamais, pour autant, perdre de vue la cohésion de l'ensemble qu'il dirige.

Qu'il explore des madrigaux ultramontains du tout début du Seicento (d'India, Luzzaschi), qu'il s'attache aux airs italiens composés par les Français Moulinié, Bataille et Boesset ou aux espagnolades de Gaspar Sanz ou de José Marín, Il Festino donne à entendre le XVII^e siècle que l'on aime, tour à tour festif et mélancolique, sensuel et décanté, précieux sans pédanterie, charnu et théâtral sans jamais forcer ses effets, un XVII^e plein d'un raffinement qui n'exclut pas le naturel et sonne juste, car il est cohérent avec ce que laissent voir ou lire les autres formes artistiques de la même époque. C'est sans doute pour toutes ces raisons qu'à l'instar du Festival de Richelieu, que l'on remercie d'avoir mis cet ensemble à l'honneur, on prendra toujours plaisir à revenir vers lui.

7^e Festival de musique de Richelieu, Champigny-sur-Veude, 4 août 2013

Dove ne vai, crudele, airs italiens sous Louis XIII : airs et madrigaux d'Étienne Mouliné, Antoine Boesset, Gabriel Bataille, Sigismondo d'India, Luzzasco Luzzaschi, José Marín. Pièces instrumentales de Girolamo Frescobaldi, Giovanni Kapsberger, Gaspar Sanz

Ensemble Il Festino
Manuel de Grange, luth, théorbe, guitare & direction

Rappel discographique :

L'air italien en France au temps de Louis XIII. 1 CD Musica Ficta MF8014 qui peut être acheté en suivant ce lien.

Extraits proposés :

1. Gaspar Sanz, Canarios

2. Étienne Moulinié, Orilla del claro Tajo

Ensemble Jacques Moderne, 7 mars 2013
Photographie © Gérard Proust

Paradoxe à la mode de Tours. Il régnait, en ce soir de mars, une température presque printanière autour de l'église Saint-Julien, probablement la plus belle de la ville – la seule, en tout cas, à posséder une tour-porche romane –, miraculeusement réchappée des bombardements de la dernière guerre, mais dès que l'on pénétrait dans la nef, une fraîcheur toute hivernale s'abattait sur les épaules. Fallait-il conjecturer un démarrage en chaud-froid pour les Nouvelles musiques anciennes, mini-festival qui n'ose pas encore dire son nom et propose, en mars et en octobre de cette année 2013, des concerts des cinq principaux ensembles spécialisés de la cité ligérienne ?

Les lecteurs qui me font l'honneur de suivre les publications de ce blog se souviendront peut-être qu'en juin 2011, j'avais rendu compte d'une précédente prestation que l'Ensemble Jacques Moderne consacrait à la musique allemande du XVII^e siècle, qui n'est malheureusement plus aujourd'hui de celles qui remplissent les salles ou enchantent les éditeurs discographiques, mais que Joël Suhubiette défend avec une constance qu'il convient de saluer. Le chef, qui fut durant huit ans l'assistant d'un fin connaisseur de ce répertoire, Philippe Herreweghe, avait courageusement choisi de proposer, pour ce concert inaugural, un programme quasi monographique consacré à la grande figure de ce siècle à la fois foisonnant et terrible pour l'Allemagne, Heinrich Schütz.

Le parcours du Sagittarius est suffisamment connu pour que l'on n'en évoque que les grandes lignes. Ce fils de bourgeois aisés – son père était aubergiste – eut la chance de voir ses précoces talents musicaux repérés par le landgrave Moritz de Hesse-Kassel qui, amateur éclairé, entendit chanter le jeune garçon lorsqu'il vint passer une nuit dans l'établissement de ses parents en 1598 et finit par convaincre ces derniers de lui confier leur fils afin qu'il pourvoie à son éducation musicale. Les promesses de Heinrich ne furent pas sans lendemain et il excella si vite dans son art que son protecteur l'envoya en 1609 parfaire ses connaissances à Venise, auprès de Giovanni Gabrieli. Ce séjour qui dura au moins jusqu'à la mort de ce maître, en août 1612, mais probablement un an au-delà, marqua Schütz de manière définitive et fit de lui un des principaux introducteurs (mais ni le premier, ni le seul, contrairement à ce qu'on lit encore parfois) de la manière italienne, alors considérée comme le parangon de la modernité, en territoires germaniques. À son retour dans sa patrie, il entama une carrière qui, si elle ne fut pas exempte de vicissitudes, devait le conduire aux plus hautes fonctions. En service à la cour de Hesse dès 1613, il fut rapidement prêté à celle de Dresde, ponctuellement en 1614, puis, à partir de 1615, pour une durée de deux ans qui devait s'avérer définitive ; en dehors d'un second voyage en Italie en 1628-29, de quelques séjours dans différentes cours, celle du Danemark durant presque deux ans (1633-35) puis 18 mois (1642-44), celles de Hildesheim et d'Hanovre de l'été 1639 au tout début de 1641, ainsi qu'un très bref passage à Wolfenbüttel (1644-45), l'essentiel de la carrière de Schütz se déroula, en effet, sur les bords de l'Elbe jusqu'à sa mort, le 6 novembre 1672, à l'âge respectable de 87 ans.

La Guerre de Trente Ans qui dévasta l'Allemagne de 1618 à 1648 laissa une profonde empreinte sur la production du musicien, comme le démontrent ses Kleine geistliche Konzerte (Petits concerts spirituels) publiés en deux parties respectivement en 1636 et 1639, et qui sont vraiment des « œuvres de guerre » par les effectifs extrêmement restreints qu'elles requièrent – voix et basse continue – mais aussi par leur concentration, laquelle met particulièrement les textes en valeur, une des constantes de l'art de Schütz qui fut, plus d'un demi-siècle avant Bach, un illustrateur du Verbe aussi minutieux qu'inspiré ne reculant devant aucun artifice rhétorique pour transmettre son message. Si elle contient des pièces composées dans le courant de cette décennie 1630 qui vit éclore les Kleine geistliche Konzerte, la Geistliche Chormusik (Musique spirituelle pour chœur) ne parut qu'en 1648, l'année même de la fin de la guerre. Dédié aux autorités de Leipzig, ce recueil aux visées pédagogiques avouées regarde souvent vers la tradition de la Renaissance et la fait coexister avec une volonté de théâtraliser les masses sonores par une écriture vocale alternant entre style concertant et tutti qui n'est pas sans rappeler l'esprit des très italianisants Psaumes de David (1619). On ignore, en revanche, à quelle époque Schütz écrivit Die sieben Worte Jesu Christi am Kreuz (Les sept paroles du Christ en croix) ; on estime généralement que l’œuvre vit le jour avant 1657, probablement aux alentours de 1645. Construite de façon symétrique, à la manière d'un retable dont les volets ouverts mettraient en valeur la scène centrale constituée par les Paroles elles-mêmes (souvenons-nous de l'importance que revêtaient les mots pour notre musicien), elle se veut une méditation, comme l'annonce le texte de l'Introitus, destinée à inciter le fidèle, suivant une démarche chère à la Devotio moderna, à faire siennes les blessures infligées à son Sauveur durant Sa Passion, lesquelles assurent le salut du croyant ici-bas et dans l'au-delà. La mise en musique demeure sobre, avec parfois certains traits volontairement archaïsants ; seules les paroles prononcées par le Christ sont mises en valeur par un style d'écriture plus moderne et nimbées d'un accompagnement de cordes, un procédé dont Bach se souviendra. Si l'atmosphère est très largement dominée par un sentiment contemplatif, Schütz a néanmoins su lui insuffler ce qu'il faut d'animation dramatique en introduisant les personnages des deux Larrons et en distribuant le rôle de l’Évangéliste entre plusieurs tessitures (soprano, alto, ténor).

L'Ensemble Jacques Moderne a fait preuve, ce soir-ci, de l'engagement et de la finesse d'approche qui font tout le prix de ses lectures d'un répertoire dans lequel il confirme qu'il a bien des choses passionnantes à dire et tout autant de belles émotions à transmettre ; on comprend d'ailleurs difficilement que le travail de premier plan qu'il mène n'ait pas encouragé certains éditeurs à lui proposer d'enregistrer plus souvent. Bravant courageusement des conditions difficiles tant pour les instruments que pour les voix, les musiciens ont offert un concert de très haute tenue, faisant assaut de fluidité, de luminosité et d'un engagement chaleureux qui a largement contribué à faire oublier la froidure. À n'en pas douter, Joël Suhubiette sait choisir les chanteurs et les instrumentistes les mieux à même de servir ses projets. Chaque pupitre vocal s'est révélé soigneusement équilibré, avec néanmoins une légère réserve envers un contre-ténor qui m'a semblé manquer parfois de la présence nécessaire pour incarner son texte, une relative faiblesse qui n'a affecté ni des sopranos aussi sensibles qu'affirmées – une mention particulière pour l'agilité et la puissance d'Anne Magouët –, ni des ténors assurés mais sans ostentation, ni la basse Jean-Claude Sarragosse, Christ plein d'humanité et d'éloquence dans les Sieben Worte, intervenant au timbre d'une belle profondeur ailleurs. Les mêmes louanges peuvent être adressées à l'ensemble instrumental, composé de quelques fines gâchettes de la musique baroque qui ont brillé dans les deux Pavanes de Michael Praetorius judicieusement choisies en complément des pièces vocales, et ont également su apporter à ces dernières les couleurs – les violistes Sylvia Abramowicz, Jonathan Dunford et Christine Plubeau, très sollicités, ont déployé, avec le raffinement qu'on leur connaît, une palette à la fois irisée et dense – et les enluminures du texte essentielles chez Schütz, tandis que le continuo, tissé avec science et inventivité par Françoise Enock au violone, Manuel de Grange au théorbe et Emmanuel Mandrin à l'orgue positif, a assuré tout au long du concert un soutien sans faille. Tous ces talents ont trouvé en Joël Suhubiette un directeur dont l'exigence assure une cohésion parfaite, la précision une efficacité optimale et les évidentes affinités envers ce répertoire la dose d'enthousiasme nécessaire pour qu'il exprime son meilleur. Sans rien laisser au hasard, mais avec autant de souplesse que de subtilité, le chef a entraîné ses troupes avec une force de conviction qui leur a permis d'exalter toutes les richesses de ces musiques et de faire ressentir l'incroyable ferveur mêlée de tendresse qu'elles dégagent.

Ce concert, salué par le public avec une gratitude à la hauteur de son excellence, confirme l'Ensemble Jacques Moderne comme l'un des meilleurs ambassadeurs français de la musique allemande du XVII^e siècle et on espère sincèrement que son obstination à la servir finira par payer en lui valant enfin toute la reconnaissance qu'il mérite. Pour l'heure, si ces musiciens passent près de chez vous – ils donneront ce même programme à l'occasion de la proche semaine pascale, le vendredi 29 mars 2013 en l'abbaye de Fontevraud, le samedi 30 mars à la chapelle de l'Immaculée de Nantes et le dimanche 31 mars en l'église Saint-Gervais d'Onzain (41) – ne manquez pas d'aller les entendre ; la générosité avec laquelle ils offrent ces fruits de l'art de Schütz mûris en des temps terribles est un baume pour le cœur et l'esprit.

Nouvelles musiques anciennes, Tours, Église Saint-Julien, 7 mars 2013

Heinrich Schütz (1585-1672), Die sieben Worte Jesu Christi am Kreuz, SWV 418, Kleine geistliche Konzerte (extraits), Geistliche Chormusik (extraits). Michael Praetorius (c.1571-1621), deux Pavanes

Ensemble Jacques Moderne

Anne Magouët & Cécile Boucard, sopranos, Gunther Vandeven, contre-ténor, Olivier Coiffet & Marc Manodritta, ténors, Jean-Claude Sarragosse, basse

Sylvia Abramowicz & Jonathan Dunford, dessus de viole, Guillemette Hueber, ténor de viole, Christine Plubeau, basse de viole, Françoise Enock, violone, Manuel de Grange, théorbe, Emmanuel Mandrin, orgue positif

Joël Suhubiette, direction

Les photographies illustrant cette chronique sont toutes de Gérard Proust, utilisées avec autorisation.

Pour connaître les détails des prochains concerts de l'Ensemble Jacques Moderne, consultez son site internet en suivant ce lien.

Accompagnement musical :

Heinrich Schütz (1585-1672), Die sieben Worte Jesu Christi am Kreuz, SWV 418 :

I. Introitus

II. Symphonia

III. Die sieben Worte

IV. Symphonia

V. Conclusio

Agnès Mellon, soprano, Steve Dugardin, contre-ténor, Stephan van Dijck, ténor, Paul Agnew, ténor, Job Boswinkel, basse
Ricercar Consort
Philippe Pierlot, dessus de viole & direction

1 CD Ricercar 206 412, réédité sous référence RIC 280. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

Au moment où Londres voyait s’achever les Jeux olympiques, le Festival de Musique de Richelieu refermait sa 6^e édition en adressant également, du cœur de la Touraine, un salut à la Fairest Isle. Je vous avais déjà raconté, l’année dernière, la clôture de cette manifestation musicale dont la direction artistique est assumée par son créateur, le pianiste Nicolas Boyer, et Gala Ringger ; elle a su préserver un véritable esprit de découverte et de convivialité pour offrir chaque année, avec un courage qu’il faut d’autant plus saluer qu’il doit composer avec des moyens très réduits, une programmation de qualité où se côtoient répertoires romantique et baroque, avec même quelques échappées plus contemporaines.

Bertrand Cuiller, Dôme de Richelieu, 11 août 2012
Photographie © Daniel Clauzier / Festival de Musique de Richelieu

Le Dôme, un des seuls vestiges du château de Richelieu dont les gravures ne nous restituent qu’une part de ce que devait être l’éblouissante grandeur, accueillait, en cette fin d’après-midi estival, le claveciniste Bertrand Cuiller dont la qualité du travail a déjà été soulignée ici même. Le récital proposé le voyait revenir à l’un de ses répertoires de prédilection, celui des virginalistes anglais du premier quart du XVII^e siècle dont les compositions à l’humeur souvent aventureuse avaient constitué la substance de Pescodd Time, son premier disque accueilli avec un enthousiasme mérité. Sur un très beau clavecin de Philippe Humeau dont la sonorité limpide et raffinée trouvait dans l’acoustique du lieu un endroit idéal pour donner sa pleine mesure, la prestation du musicien a été d’une hauteur de vue et d’une inspiration constantes. Parmi les claviéristes de la jeune génération, Bertrand Cuiller n’a pas son pareil pour insuffler aux pièces de William Byrd, John Bull et Peter Philips une vie incroyable et leur donner une présence physique fascinante. Loin de certaines interprétations étriquées et desséchantes, il parvient à rendre justice, grâce à un toucher d’une grande subtilité au service d’une intelligence naturelle de ce répertoire, à la finesse et à la complexité de leur élaboration contrapuntique tout en laissant toute leur place aux émotions que véhicule la musique. Cette recherche d’équilibre permanent, fruit d’une concentration de tous les instants structurant nettement chaque morceau et d’une souplesse permettant aux phrases de respirer pleinement et aux ornements de se développer aisément sans jamais devenir envahissants, donne aux pièces leur juste poids et leur permet d’exhaler tous leurs parfums, qu’ils soient folâtres comme dans The King’s Hunt de Bull ou plus sombres comme dans la Pavana dolorosa de Philips. Une des autres grandes réussites de Bertrand Cuiller, dont la manière ne cesse de se bonifier en gagnant en profondeur, en liberté et en éloquence, est de parvenir à concilier avec une aisance admirable la double nature des œuvres inspirées par la danse qui constituent la majeure partie de son florilège, en les jouant à la fois comme les morceaux de musique « pure » qu’ils sont mais sans oublier un instant de leur apporter la pulsation révélant leur nature foncièrement chorégraphique.

Par son caractère à la fois brillant et intime, ce concert en tout point remarquable apportait une nouvelle preuve que la musique de clavecin, qui bien souvent effraie les programmateurs, les éditeurs et demeure donc trop peu connue d’un large public, peut, lorsqu’elle est servie avec expertise et humilité, se révéler passionnante et extrêmement parlante pour l’auditeur d’aujourd’hui et lui autoriser, en éveillant le sien à de nouveaux horizons, une familiarité plus grande avec l’univers sensible des Hommes du passé. L’accueil très chaleureux et reconnaissant réservé par le public, parfois venu de loin, à Bertrand Cuiller, qui avait pris judicieusement la peine de donner quelques explications sur la musique choisie par ses soins, en portait un témoignage éclatant, et on souhaite tout le succès possible aux projets de ce musicien sensible et plein de ressources, qui va bientôt aborder l’opéra – toujours britannique – en dirigeant, à partir du 11 octobre prochain, une nouvelle production de Venus and Adonis (c.1683) de John Blow (1649-1708) au Théâtre de Caen puis lors d’une tournée d’une vingtaine de dates.

Ensemble La Réjouissance,
Sainte-Chapelle de Champigny-sur-Veude, 12 août 2012
Photographie © Daniel Clauzier / Festival de Musique de Richelieu

À l’intimité du Dôme de Richelieu succédait, le lendemain, l’atmosphère plus solennelle de la Sainte-Chapelle de Champigny-sur-Veude, joyau de la Renaissance illuminé par ses magnifiques vitraux du XVI^e siècle qui serait mondialement connu s’il se dressait en Italie. Le programme proposé par l’ensemble La Réjouissance et la soprano Mathilde Étienne, composé majoritairement d’airs bien connus de John Dowland (Flow my tears, Can she excuse…) et d’Henry Purcell (Sweeter than roses, Music for a while…), mais aussi d’une aria de l’inévitable Georg Friedrich Händel et d’une cantate du plus obscur Johann Christoph Pepusch, ainsi que de quelques pièces instrumentales signées Jan Pieterszoon Sweelinck, Johan Schop et Purcell auxquelles s’ajoutait le fameux Paul’s Steeple, formait une suite logique et bienvenue au récital de Bertrand Cuiller, en partant de la période qu’il explorait pour conduire l’auditeur jusqu’en 1720, date de la publication du second volume des Six English Cantatas de Pepusch. Grâce aux éclaircissements bienvenus sur l’évolution de la musique anglaise durant l’âge baroque donnés par la claveciniste et chef de l’ensemble, Stefano Intrieri, les alternances d’influences italiennes et françaises ayant, alternativement ou concomitamment, contribué à la façonner devenaient aisément perceptibles, même pour le profane, dessinant un panorama à la fois complet et facilement assimilable. Aux flûtes à bec, Marcelo Milchberg a fait montre, dans toutes ses interventions, d’une indéniable virtuosité s’appuyant sur une grande solidité technique et mise au service d’un sens affirmé du théâtre, tout comme Stefano Intrieri, bouillant continuiste à l’ornementation foisonnante doté d’un sens de la relance absolument évident, ces deux fortes personnalités étant soutenues par la gambiste Martina Weber, nettement plus discrète mais dont chaque intervention, lorsqu’elle n’était pas avalée par une acoustique décidément problématique pour cet instrument, était impeccable tant du point de vue de la maîtrise que de l’expressivité. La soprano Mathilde Étienne est venue habiter les différentes pièces vocales du programme de sa voix puissamment charpentée mais sachant moduler avec beaucoup de finesse et délivrer une palette de couleurs tout à fait séduisante. Sa vocalité dont l’opulence trouve sans nul doute, ainsi que le prouve son excellent travail sur le répertoire du Seicento avec l’Ensemble Cronexos, un terrain d’expression plus naturel dans le répertoire ultramontain que dans ces œuvres septentrionales a su apporter beaucoup de luminosité aux textes et si l’articulation demeurait parfois perfectible, le soin apporté à la ligne était indéniable et la fluidité qui en résultait rendait bien justice aux pièces du programme, particulièrement les plus tardives. Les quatre musiciens ont donc offert un récital bien construit, copieux et globalement réussi, mais qui aurait probablement gagné en émotion avec un peu moins d’effets démonstratifs, parfois un rien gratuits, de la part du flûtiste et du claveciniste ainsi qu’avec une meilleure entente entre le groupe instrumental et la soliste (From silent night de Dowland donnait ainsi l’impression d’une lutte entre la voix et la flûte dont cet air magnifique n’est hélas pas sorti indemne).

Une nouvelle fois, le Festival de Musique de Richelieu s’est distingué par la qualité de ses propositions artistiques en offrant un week-end anglais de très haute tenue. On espère maintenant que cette manifestation va continuer à grandir en fédérant autour d’elle les énergies indispensables pour continuer ses activités dans les meilleures conditions possibles. Il ne fait guère de doute que ses deux directeurs artistiques auront à cœur d’élaborer une 7^e édition aussi passionnante que les précédentes et que l’on sera fidèle aux rendez-vous qu’ils nous proposeront.

Festival de Musique de Richelieu, 11 et 12 août 2012

Les virginalistes : œuvres de Peter Philips (c.1560-1628), William Byrd (c.1540-1623), John Bull (c.1562-1628) et anonyme

Bertrand Cuiller, clavecin de Philippe Humeau

If music be the food of Love : œuvres de Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621), Johan Schop (1626-après 1670), John Dowland (1563-1626), Henry Purcell (1659-1695), Johann Christoph Pepusch (1667-1752), Georg Friedrich Händel (1685-1759), et anonyme (éd. John Playford, 1623-1686)

Ensemble La Réjouissance :
Mathilde Étienne, soprano
Marcelo Milchberg, flûtes à bec, Martina Weber, viole de gambe
Stefano Intrieri, clavecin & direction

Accompagnement musical :

1. Peter Philips, Pavana Dolorosa

2. John Bull, The King’s Hunt

Bertrand Cuiller, clavecin de Philippe Humeau (Barbaste, 1999) d’après Andreas Ruckers (Anvers, 1615)

Pescodd Time. 1 CD Alpha 086. Incontournable Passée des arts. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

3. John Dowland, From silent night

Nathalie Marec, soprano
Les Witches

Bara Faustus’ Dream, Mr Francis Tregian His Choice. 1 CD Alpha 063. Incontournable Passée des arts. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

4. Anonyme, édité par John Playford, Paul’s Steeple

Les Witches

Nobody’s Jig. 1 CD Alpha 502. Incontournable Passée des arts. Ce disque peut être acheté en suivant ce lien.

Le Dôme de Richelieu. Photographie de Claire Pain.

Le Festival de Musique de Richelieu est une encore toute jeune manifestation, dont la 5^e édition s’est déroulée au cœur de l’ancien fief tourangeau du Cardinal entre le 27 juillet et le 7 août 2011, avec un incontestable succès. Créé et porté avec autant d’enthousiasme que de ténacité par le pianiste Nicolas Boyer et Gala Ringger, ce rendez-vous annuel offre, dans un esprit de convivialité dont beaucoup de manifestations gagneraient à s’inspirer, une riche programmation au sein de laquelle se côtoient artistes reconnus et en devenir dans un même souci d’exigence artistique et d’ouverture, les répertoires abordés couvrant une large période s’étendant du Baroque à la musique contemporaine et au jazz. Les deux dernières journées du festival ont offert une parfaite illustration de cette alternance entre têtes d’affiche et talents prometteurs, puisqu’elles ont vu tour à tour l’ensemble Il Festino et Jordi Savall offrir aux auditeurs deux voyages en compagnie des musiques du XVII^e siècle.

Il Festino : Julien Cigana, Dagmar Saskova, Manuel de Grange. Photographie de Gala Ringger.

À l’heure où certains prennent le thé, c’est autour de l’évocation du vin qu’Il Festino avait donné rendez-vous au Dôme, seul vestige d’un château dont gravures et décors préservés permettent d’imaginer la magnificence, à un public venu nombreux. Tout au long d’un programme faisant se succéder airs de cour, airs à boire, pièces de luth et textes déclamés, la soprano Dagmar Saskova, le comédien Julien Cigana et le luthiste Manuel de Grange, également directeur de l’ensemble, ont rivalisé d’intelligence et de sensibilité pour dépeindre les ivresses que Bacchus et Éros font tourbillonner dans le cœur des Hommes. Les trois artistes, unis par une évidente et chaleureuse complicité, ont ressuscité un Grand Siècle aux humeurs et aux couleurs contrastées, de l’âme songeuse et mélancolique du Tombeau de Mezangeau érigé par Ennemond Gaultier à la truculence des saillies éructées par Paul Scarron ou Saint-Amant, en passant par la passion ensorcelante du Non speri pietà d’Étienne Moulinié. La chanteuse et le comédien ont fait montre d’un sens de la caractérisation très aiguisé, insufflant de façon particulièrement convaincante vitalité mais aussi subtilité, y compris dans leurs effets d’exagération, aux textes interprétés. La voix lumineuse, bien timbrée et d’une grande clarté de diction de Dagmar Saskova, sachant jouer aussi bien de l’espièglerie piquante que de la caressante sensualité sans jamais se départir d’une certaine noblesse, est en parfaite harmonie avec l’esprit d’airs dans lesquels la tendresse comme le déboutonné n’oublient jamais complètement le respect des bienséances. Julien Cigana incarne, lui, une verve dont l’apparence plus populaire pourrait faire oublier les plumes savantes qui l’ont enfantée ; il saisit les textes à bras-le-corps avec un aplomb phénoménal, dégustant chaque mot avec une gourmandise sous laquelle affleure parfois une mélancolie d’autant plus poignante que le rire truculent d’un ogre plus fragile qu’il y paraît la dissimulait auparavant. Ces deux artistes ont parfaitement saisi le rôle essentiel du mot dans la rhétorique baroque, ils en restituent remarquablement l’impact et les métamorphoses, entraînant à leur suite les auditeurs conquis. Au luth et à la guitare, Manuel de Grange dirige l’ensemble avec autant de précision que de finesse ; peut-être plus à son aise dans le rôle d’accompagnateur que dans celui de soliste dont il possède pourtant sans aucun doute les capacités, la fluidité et le raffinement de son jeu, l’attention qu’il accorde à ses partenaires et son humilité font merveille pour apporter couleur et cohésion à la prestation de ses partenaires.

Il Festino est donc une très heureuse découverte ; je conseille à ceux qui le peuvent et le souhaitent de retrouver ce jeune ensemble à la fois plein de fraîcheur et de maîtrise le 8 octobre prochain dans le cadre du Festival Baroque de Pontoise, en attendant son premier disque, annoncé vers la fin du mois d’octobre chez Musica Ficta, et dont je ne manquerai sans doute pas de vous reparler.

Jordi Savall. Photographie de Daniel Clauzier.

Diabolus in Musica, 2 juillet 2011.

En dépit des réalisations, saluées en leur temps, de Thomas Binkley (1970), Paul van Nevel (1980), Alla Francesca (1993) ou Mala Punica (1997), le nom de Johannes Ciconia reste toujours assez ignoré, hors du public averti, et n’encombre pas non plus l’affiche des concerts de musique médiévale. Le bonheur de le voir apparaître sur celle du Festival « Couleurs d’été », organisé par le Conseil général d’Indre-et-Loire au Prieuré de Saint-Cosme, se doublait de celui d’entendre l’ensemble Diabolus in Musica, dont l’expertise est goûtée par un nombre croissant d’amateurs, en servir la presque totalité de la production sacrée. Si, pour les raisons de déficience de communication institutionnelle déjà évoquées dans une précédente chronique, l’auditoire n’était pas aussi fourni qu’on aurait pu le souhaiter en cette soirée du 2 juillet 2011, la qualité d’écoute et la joie dont il a fait montre ont signé une nouvelle indiscutable réussite pour les chantres dirigés par Antoine Guerber.

La monographie fondatrice qui lui a été consacrée, en 1960, par la musicologue belge Suzanne Clercx a permis à la figure de Ciconia d’émerger des limbes même si, comme l’expliquait fort justement, en préambule au concert, Philippe Vendrix, directeur du Centre d’Études Supérieures de la Renaissance ayant dirigé un ouvrage dédié au compositeur en 2003, il faut se résoudre à ce que les lacunes des sources documentaires laissent définitivement de nombreux pans de sa biographie dans l’ombre. Il est maintenant établi que notre musicien, fils d’un chanoine bien prébendé, est né à Liège sous le patronyme de Chywogne ou Cigogne, sans doute dans les années 1370. Il semble qu’il ait quitté sa ville natale vers 1385, date à laquelle son nom apparaît pour la dernière fois dans ses archives, pour gagner l’Italie, où sa présence est attestée en 1391. A-t-il auparavant séjourné à Paris pour y suivre les cours de l’université, comme peut le laisser supposer le titre de magister associé à son nom ? Toujours est-il qu’il va entrer au service d’importants personnages, tout d’abord, sans doute à Rome, le cardinal Philippe d’Alençon jusqu’en 1397, puis probablement Giangaleazzo Visconti à Pavie jusqu’aux alentours de 1401, date à laquelle un document le mentionne à Padoue, sous le patronage de l’archiprêtre Francisco Zabarella. Vicaire attaché à la cathédrale dont il est, signe de la considération dont il jouissait, le premier étranger à être admis au chapitre, il y chante et y compose mais fait également œuvre de théoricien, produisant deux traités (Nova Musica, 1408 et De proportionibus, 1411) où il se révèle, contrairement à l’image que donne sa musique, plutôt conservateur. La dernière trace que laisse le compositeur est une signature sur un acte notarié du 10 juin 1412 ; le 13 juillet de la même année un nouveau vicaire est nommé « à la suite de la mort de Johannes Ciconia. »

J’aurai probablement l’occasion d’y revenir plus en détail dans quelques semaines, mais les pièces proposées lors du concert donnaient un excellent aperçu de la richesse et de la variété de la production de Ciconia. Outre qu’il maîtrise tous les styles d’écriture en usage à son époque et se montre aussi à l’aise lorsqu’il se coule dans les modèles franco-flamands, principalement dans les mouvements de messe, ou italiens, comme dans les motets, ces deux manières se mêlant pour mieux se féconder mutuellement, il fait preuve d’une inventivité mélodique assez époustouflante et d’un goût prononcé pour les expérimentations sonores, y compris dans les formes plus stéréotypées que sont les parties de l’Ordinaire liturgique. Sans nul doute au fait des recherches formelles menées par les compositeurs de ce que les musicologues ont nommé Ars subtilior qui se distinguent, pour résumer à grands traits, par des tournures de plus en plus complexes frôlant parfois la préciosité, il use avec un art consommé des contrastes rythmiques et des chromatismes, tout en conservant à ses pièces beaucoup de souplesse et d’animation, ce qui démontre une parfaite assimilation du style des madrigali de Jacopo da Bologna (fl.1339-1360) ou des ballate de Francesco Landini (c.1325-1397), ainsi que des œuvres sacrées d’Antonio Zacara da Teramo (c.1350/60-c.1413/16), qui, présent à Rome en même temps que lui, eut sans doute sur son jeune collègue une influence non négligeable.

Il est peu de dire que les chanteurs de Diabolus in Musica ont su rendre justice à ces compositions à la fois denses et subtiles, tant leur prestation a été, tout au long du concert, une suite d’émerveillements. Une des grandes qualités d’Antoine Guerber est la fidélité ; il travaille avec la même équipe vocale depuis plus de quinze ans, et connaît donc parfaitement les capacités de chacun de ses chantres  qu’il sait pousser à donner le meilleur d’eux-mêmes quel que soit le répertoire abordé. Fort logiquement, c’est le constat d’un équilibre et d’une lisibilité supérieurement instaurés et maintenus entre les différentes voix, parfaitement utilisées et appariées, qui s’impose dès les premières œuvres, et procure à l’auditeur un sentiment d’évidence et de justesse absolues. Les sopranos Aïno Lund-Lavoipierre et Axelle Bernage, le plus souvent accompagnées de façon aussi experte qu’attentive par Guillermo Perez à l’organetto, interprètent les motets avec une aisance vocale assez stupéfiante, mettant une technique impeccablement rompue aux usages du répertoire médiéval au service d’une émotion à la fois décantée et sensuelle. Les lignes vocales qu’elles déploient, souvent très haut et avec une infinie souplesse, se poursuivent, se répondent et s’emmêlent en délivrant une incroyable impression de luminosité qui parfois confine à la grâce (O virum ou Albane). La partie masculine de l’ensemble, composée des ténors Raphaël Boulay et Olivier Germond, du baryton-basse Emmanuel Vistorky et de la basse Philippe Roche, se voit, elle, majoritairement confier les mouvements de messe dans lesquels elle n’appelle également que des éloges. Assumant chacun à leur tour la conduite des pièces, toutes sans accompagnement instrumental, les chanteurs élaborent un tissu musical très cohérent, au sein duquel chaque personnalité vocale peut néanmoins s’épanouir et faire valoir ses propres couleurs sans créer  de déstabilisation, et dont la vigueur, le raffinement, le souci de varier les climats préservent ces Gloria et Credo du piège de l’uniformité. Notons que tous ont été également convaincants hors de leur domaine principal, les femmes en faisant s’envoler un Gloria spiritus et alme n°6 aux aigus périlleux, les hommes en magnifiant la noblesse du motet O Padua qui terminait le concert, et se sont attachés, avec une incontestable réussite, à rendre palpable le caractère parfois très audacieux et novateur de la musique de Ciconia (magnifique gestion des dissonances), ainsi que la clarté de sa facture. Cette réussite n’aurait, bien entendu, pas été possible sans le travail préparatoire, que l’on devine extrêmement précis et intense, effectué par Antoine Guerber avec son ensemble. On y retrouve cette immédiate intelligence du répertoire et cette humilité face à la musique fondées sur une profonde réflexion, un véritable respect des sources et le refus de l’effet facile qui marquent, depuis ses débuts, les interprétations de Diabolus in Musica. Après le silence recueilli dans lequel s’est déroulé tout le concert, les applaudissements fournis et ponctués de bravos qui ont suivi la dernière note disaient assez le bonheur et la reconnaissance d’un public conscient d’avoir participé à un moment d’exception.

Cette prestation de très haut niveau laisse particulièrement bien augurer d’un des projets les plus ambitieux annoncés pour la rentrée dans le domaine de la musique ancienne, l’intégrale de l’œuvre de Johannes Ciconia, dont la parution est annoncée le 25 août 2011 chez Ricercar, qui a eu la gentillesse d’en dévoiler deux extraits pour les lecteurs de Passée des arts. Il ne fait guère de doute que sa partie sacrée, confiée par Jérôme Lejeune à Diabolus in Musica et chantée presque totalement lors de cette soirée au Prieuré de Saint-Cosme, ne manquera pas d’ouvrir de nouvelles et passionnantes perspectives sur ce magnifique compositeur encore trop méconnu, et, peut-être, contribuera à lui donner la place qu’il mérite au répertoire.

Johannes Ciconia (c.1370-1412), Opera sacra. Motets et mouvements de messe.

Diabolus in Musica :
Aïno Lund-Lavoipierre, Axelle Bernage, sopranos. Raphaël Boulay, Olivier Germond, ténors. Emmanuel Vistorky, baryton-basse. Philippe Roche, basse.
Guillermo Perez, organetto
Antoine Guerber, direction

Accompagnement musical :

1. Credo n°4
Raphaël Boulay, Olivier Germond, ténors. Emmanuel Vistorky, baryton-basse. Philippe Roche, basse.

2. Albane, misse celitus/Albane doctor maxime, motet
Aïno Lund-Lavoipierre, Estelle Nadau, sopranos. Guillermo Perez, organetto.

Diabolus in Musica
Antoine Guerber, direction

Johannes Ciconia, Opera Omnia (intégrale de l’œuvre). 2 CD Ricercar RIC 316, à paraître le 25 août 2011. Ce disque peut être précommandé en suivant ce lien.

Je remercie très chaleureusement Ricercar de m’avoir autorisé à utiliser les extraits musicaux et le visuel du coffret qui accompagnent cette chronique.